Eröffnung: 7. Juni 2013 um 17 Uhr
Ausstellung: 8. Juni – 13. Juli 2013

Wir freuen uns auf Ihren Besuch in einem Architektur gewordenen »Possible Video Set«,
(»Items for Possible Video Sets« lautet der Titel einer offenen Fotoserie von Stefan Panhans s.u.).

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»Items For Possible Videosets« seit 2009 (Work in Progress)
Light Jet Prints, 30 x 45 – 60 x 90 cm

Stefan Panhans
* 1967 in Hattingen
studierte Kommunikationsdesign an der Merz Akademie, Stuttgart
und Freie Kunst an der HfBK, Hamburg
lebt in Hamburg, Berlin und an anderen Orten

William James entwickelte 1902 in seinem Buch The Varieties of Religious Experience ein Modell des „gespaltenen Selbst“, welches nur durch eine Art Wiedergeburt zu einer Ganzheit finden kann. Legt man dieses Modell zugrunde, hätte die Kunst von David Fletcher bereits die Schwelle zu dieser Ganzheit erreicht, während die Arbeiten von Simon Logan noch auf ihre Wiedergeburt warten. Sprich, Fletchers Malereien sind harmonisch, vollklingend und von ruhigem Dunkel, während die Zeichnungen und Skulpturen Logans auf diesen Zustand wohl abzielen, aber stets Gefahr laufen, mit einem Missklang in einen gähnenden Abgrund zu stürzen.

In his book The Varieties of Religious Experience (1902) the psychologist and philosopher William James constructs the idea of the ‘divided self’ (the term was coined by James). He explains its meaning as part of a varied world of human experience. Some people only need to be born once, and live lives of inner harmony, they do not have to wrestle with their own demons, and the rewards of life are immediate and permanent. The rest of us are in conflict with ourselves, and need a second birth in order to achieve a more settled inner life. This need not be a birth into religious faith, it is simply a resolution of conflicting instincts, of the division in the self. This resolution gives rise to a united picture of oneself and the world, albeit one where the shaping memory of inner turmoil is never lost.

Through James’ model of division and twice-born resolution it seems possible to describe a relationship between Simon Logan and David Fletcher’s work.

Both artists allow the conflated influence of their our own daily lives, memories, and a broad reading of art history to shape their artworks. They both allow internal and external worlds to fuse or conflict with each other in the genesis of their work. But a kind of harmony, rich, dark and resonant seems to hang around David Fletcher’s paintings, a harmony that Logan’s work seems to aim at, whilst remaining divided in artful discord.

Unstuck in time, but rooted in their own striking definition, David Fletcher’s paintings turn the conflicts of desire, daily experience, memory and knowledge into grounded and compelling expressions – Frank O’Hara’s ’50s New York fed through a thousand reproductions of posters of the jazz age, confessed and willed into a newly sharpened grand vision, or watering cans that seem inhabited by the ghost of de Chirico, dark gardens and a stark arm holding one of the cans, images that shine out in high contrast from a space halfway between Los Angeles and an MR James ghost story. Artworks twice born in their making, Fletcher’s paintings are reconciled in their enigmatic calm.

In Logan’s work there are often bright colours, the spectrum being a recurring motif, and skilfully rendered improvised drawings or model-like sculptures, alongside far more scratchy and provisional works. Like Fletcher, Logan draws on a diverse range of imagery, invented and recalled. Yet unlike Fletcher, the precipice of uncertain public and private worlds, the abstract, the descriptive and the cryptic are all still at war with each other – spherical heads that provoke a kind of surrealist cliché whilst showing a singularly personal imagery, small sculptures sometimes clumsy, sometimes overwrought, heads, houses, wings, boats, collisions of half memories, improvisation and flawed expression. Logan’s work still waits to be born again.

David Fletcher will show new paintings, Simon Logan will show new drawings and sculpture.

Text: Gethin Price

Paul Sochacki hatte sich schon vor zwei Jahren ausbedungen, mit mindestens 40 Künstlerinnen zusammen auszustellen. Nun, Ausstellungsplanungen nehmen zuverlässig andere Entwicklungen. Ein anderer Plan war, die Anzeigenkampagne »Formal Abstraction Of the Body« in die Tat umzusetzen. Dabei erhält der Kunde von Paul Sochacki eine Urkunde, welche zertifiziert, dass der Galerist mit dem Kunden Sex hatte. Hierfür wiederum waren die Betreiber der Galerie Dorothea Schlueter nicht zu erwärmen. Sie merken schon, die Branche ist voller äußerst komplizierter Konstellationen.
Sochacki lernte Elke Marhöfer beim feministischen Fußballtreff kennen. Sie war eine Torjägerin die Ihresgleichen lange suchen müsste und beeindruckte Sochacki mit ihrem diskreten filmischen Blick für den gewissen Anteil der Anteilslosen.

Wir freuen uns sehr, dass Elke Marhöfer Filme zeigt (Bauern! (Farmers!), 2007 / Quantum Fractology, 2013 / Nobody knows, when it was made and why, 2012) und Paul Sochacki seine Menagerie mitbringt, d. h. Giraffen und Elefanten auf Leinwand.

Eine Ausstellungskritik in Frieze/de, geschrieben von Jens Asthoff, ist unter folgendem Link zu lesen: Paul Sochacki, Frieze-Magazin

Dong of Sevotions from dorothea schlueter, galerie on Vimeo.

In der Ausstellung »Großzügige Sachzuwendung« zeigen der Hamburger Fotograf Heiko Neumeister und der britische Filmemacher John Smith eine Auswahl von bewegten und stehenden Bildern.

Beider Vorliebe für den Alltag ermöglicht eine freundlich groteske, ja beinah humoristische Perspektive auf die lapidare Schwere des Krams, der uns fortwährend umgibt. Der tiefe Ernst, mit dem Hotelflure und Sperrmüllhaufen einem Close Reading unterzogen werden, führt hier also nicht zu einer immer präziseren Beschreibung, welche es einem schließlich ermöglichen würde, Tatsachen begrifflich festzunageln, sondern weitet sich zu einer traumwandlerischen Ideen- flucht, deren Logik sprunghaft aufleuchtet, kurz vorm Abdrehen in Metaphysik oder Weltpolitik aber immer wieder im Ausgangsmaterial gestoppt wird, wie in einem Kiesbett.

Wir danken der Firma Vorwerk für den Teppichboden und dem Labor Andreas Doria, außerdem Martin Wellermann für seine farbverbindlichen Fotoabzüge und Rainer Korsen für die Monitore. Ganz besonders bedanken wir uns bei Volko Kamensky für die umsichtige inhaltliche Konzeption und die Einrichtung der Ausstellung.

Videos: courtesy of the artist and Tanya Leighton Gallery, Berlin

Eröffnung, Freitag, 25. Januar, 17 Uhr
Laufzeit, Samstag, 26. Januar – 9. Februar 2013

„Da waren sie wieder, diese undeutlichen, dunklen Muster, die miteinander verschwammen, und es war nur eine Frage der Zeit, bis Draper die Nerven verlieren würde. Seine Arbeit auf der Station dauerte nun schon ein halbes Jahrhundert und er konnte sich nicht entsinnen, jemals solche Strukturen gesehen zu haben, sie erinnerten entfernt an Satellitenbilder vom Dschungel. Er korrigierte die Parameter erneut. Solche Entscheidungen hatten ihn in der Vergangenheit schon mehrfach an den Rand einer Katastrophe geführt, aber es gab keinen anderen Weg.“
(William Grey, The Sapphire Fount Trilogy)

In seiner zweiten Einzelausstellung in der Galerie Dorothea Schlueter zeigt Michael Deistler über zwanzig Malereien: hochformatig, mittelgroß und abstrakt.

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Weitere Ausstellungen von Michael Deistler …

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Michael Deistler
Zeichnungen
30. September – 30. Oktober 2010
Kugelschreiber auf Karton, 68 x 48 cm

Eröffnung: 7. Dezember 17 Uhr
Laufzeit: 8. Dezember 2012 – 19. Januar 2013

Nicole Messenlehner verlegt die Gefängnisszenen des berüchtigten Films „Un Chant d’Amour“ von Jean Genet in die Galerie. Die Galerie ist in zwei ungleiche Räume geteilt, den hinteren Bereich kann man nur durch Löcher in der Wand einsehen. Die Schauspieler fehlen. Was bleibt ist das formal-ästhetische einer Galerie, gegeben durch den dort waltenden Organisationszwang. Hier, also im Büro, präsentiert Nicole Messenlehner als Ensemble die erste Ausgabe des Magazins Kultur & Gespenster zu Hubert Fichte, ergänzt um das Interview Fichte / Genet von 1975 in deutscher Fassung.

Im Film auf den sich Messenlehner bezieht, sieht man einen erwachsenen Mann, der in törichtem Verlangen, Kontakt zu einem Jungen in der Nachbarzelle sucht. Das höchste der Gefühle in diesem Liebesdrama ist eine von beiden geteilte Zigarette, mittels eines, durch die dicke Gefängnismauer gefummelten, Strohhalms. Beide werden dabei von einem so sadistisch wie eifersüchtigen Gefängniswärter beobachtet.

Jean Genet war kein Freund von Parabeln, Gleichnissen oder anderem moralisch erbaulichem Zeug, eher im Gegenteil. Die von ihm gezeigte Brutalität oder Obszönität, meint exakt diese. Errettungs- oder Erlösungsszenarien waren ihm fremd.

Nicole Messenlehner, selbst wenig zimperlich in der Auseinandersetzung mit Scheußlichkeiten, paraphrasiert hier eine künstlerische Haltung, die noch nie sonderlich erfolgreich im Sinne eines kreischenden Entzückens seitens des Establishments war, dafür aber um so dramatischer in den wahnhaften Phantasien aller Künstlerkollegen und Kulturfuzzis verankert ist.

Jean Genet (1910 – 1986), prominenter französischer Schriftsteller, Vagabund, Strichjunge und Dieb, verbrachte den Großteil seiner Jugend im Gefängnis. Er schrieb Romane, Theaterstücke, Gedichte und Essays. In seinen Werken beschreibt er eine Unterwelt von männlichen Prostituierten, Zuhältern, Sträflingen und Ausgegrenzten. Der Film „Un chant d’amour“ (1950), konnte aufgrund seiner pornographischen Darstellungen nicht gezeigt werden. Erst 1964 gab es die erste öffentliche Aufführung in New York, woraufhin der Veranstalter Jonas Mekas von der Polizei zusammengeschlagen und inhaftiert wurde. Im Verlauf der Jahre wurde der Film zunehmend als Meisterwerk gepriesen, während Genet ihn hasste.

Link zum Film von Jean Genet: http://www.ubu.com/film/genet.html

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zu weiteren Ausstellungen von Nicole Messenlehner …

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William James entwickelte 1902 in seinem Buch The Varieties of Religious Experience ein Modell des „gespaltenen Selbst“, welches nur durch eine Art Wiedergeburt zu einer Ganzheit finden kann. Legt man dieses Modell zugrunde, hätte die Kunst von David Fletcher bereits die Schwelle zu dieser Ganzheit erreicht, während die Arbeiten von Simon Logan noch auf ihre Wiedergeburt warten. Sprich, Fletchers Malereien sind harmonisch, vollklingend und von ruhigem Dunkel, während die Zeichnungen und Skulpturen Logans auf diesen Zustand wohl abzielen, aber stets Gefahr laufen, mit einem Missklang in einen gähnenden Abgrund zu stürzen.

In his book The Varieties of Religious Experience (1902) the psychologist and philosopher William James constructs the idea of the ‘divided self’ (the term was coined by James). He explains its meaning as part of a varied world of human experience. Some people only need to be born once, and live lives of inner harmony, they do not have to wrestle with their own demons, and the rewards of life are immediate and permanent. The rest of us are in conflict with ourselves, and need a second birth in order to achieve a more settled inner life. This need not be a birth into religious faith, it is simply a resolution of conflicting instincts, of the division in the self. This resolution gives rise to a united picture of oneself and the world, albeit one where the shaping memory of inner turmoil is never lost.

Through James’ model of division and twice-born resolution it seems possible to describe a relationship between Simon Logan and David Fletcher’s work.

Both artists allow the conflated influence of their our own daily lives, memories, and a broad reading of art history to shape their artworks. They both allow internal and external worlds to fuse or conflict with each other in the genesis of their work. But a kind of harmony, rich, dark and resonant seems to hang around David Fletcher’s paintings, a harmony that Logan’s work seems to aim at, whilst remaining divided in artful discord.

Unstuck in time, but rooted in their own striking definition, David Fletcher’s paintings turn the conflicts of desire, daily experience, memory and knowledge into grounded and compelling expressions – Frank O’Hara’s ’50s New York fed through a thousand reproductions of posters of the jazz age, confessed and willed into a newly sharpened grand vision, or watering cans that seem inhabited by the ghost of de Chirico, dark gardens and a stark arm holding one of the cans, images that shine out in high contrast from a space halfway between Los Angeles and an MR James ghost story. Artworks twice born in their making, Fletcher’s paintings are reconciled in their enigmatic calm.

In Logan’s work there are often bright colours, the spectrum being a recurring motif, and skilfully rendered improvised drawings or model-like sculptures, alongside far more scratchy and provisional works. Like Fletcher, Logan draws on a diverse range of imagery, invented and recalled. Yet unlike Fletcher, the precipice of uncertain public and private worlds, the abstract, the descriptive and the cryptic are all still at war with each other – spherical heads that provoke a kind of surrealist cliché whilst showing a singularly personal imagery, small sculptures sometimes clumsy, sometimes overwrought, heads, houses, wings, boats, collisions of half memories, improvisation and flawed expression. Logan’s work still waits to be born again.

David Fletcher will show new paintings, Simon Logan will show new drawings and sculpture.

(images: Simon Logan, Head 1, 2013, David Fletcher, Watering Can, 2013)
Text: Gethin Price

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Weitere Ausstellungen von David Fletcher

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David Fletcher
Paintings from Balfron Tower

Eröffnung 9.November 19 Uhr
Laufzeit: 10.11. – 15.12.2012

MÄRCHEN (Kultur & Gespenster Heft, Nr. 12)
304 Seiten, 230 x 270 mm
Softcover
zahllose Abbildungen
Text in Deutsch
Textem Verlag 2011
ISBN 9978-3-938801-87-1
12 Euro

Kultur & Gespenster Nr. 12 »Märchen«

Die 12. Ausgabe des Magazins Kultur & Gespenster ist fast ein bisschen zu schön geworden und widmet sich ausschließlich der Märchensammlung von Karl Müllenhoff, welche er 1845 veröffentlichte.

Kultur & Gespenster bringt einen Teil der Sagen, Märchen und Lieder der Herzogtümer Schleswig, Holstein und Lauenburg, ergänzt um ein Gespräch zwischen dem Mediävisten und Literaturwissenschaftler Hartmut Freytag und dem Künstler Alexander Rischer, welcher im Herbst vergangenen Jahres etliche Fahrradtouren durchs Holsteinische unternahm, um die Originalschauplätze der Märchen für dieses Heft zu fotografieren.

Wunderbarerweise waren fast alle Orte zu finden: Heidnische Kultstätten, Quellen, Bäume, Kirchen, Glocken, Plätze für Mirakel und Rechtshändel, auch versunkene Orte und solche, an denen der Teufel den Übermut strafte. Gespenster, Irrlichter, Zauberer, Werwölfe, Teufelspferde, Drachen, Zwerge und weiße Frauen gehörten zum Alltag. Nicht zu sprechen von den Seuchen, Vorzeichen und Weissagungen, den versunkenen Schlössern, Grabhügeln, schlafenden Helden und Heeren, verhängnisvollen Bäumen und natürlich den überall vergrabenen Schätzen.

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Landmarken, Seismologie, Motorsport und finanzpolitische Skandale

Neueste Nachrichten aus Island; dem Land, in dem ein Mann, der von der Bank aufgefordert ist, seinen Haus- und seinen Autoschlüssel abzugeben, da beides ab sofort der Bank gehört, sich einen Schaufelbagger ausleiht, ein gewaltiges Loch gräbt, das Auto und das Haus hineinschiebt, alles wieder mit Erde bedeckt und am nächsten Tag vereinbarungsgemäß die Schlüssel bei der Bank abgibt.

Jeder benutzt Landmarken, um sich zu orientieren, und es ist egal, ob es sich dabei um Schutthügel, Bauwerke, einzeln stehende Bäume und Felsen oder um einen Tafelberg handelt.

In der Ausstellung „Landmarken“ der beiden isländischen Künstler Sirra Sigrún Sigurðardóttir und Erling TV Klingenberg kreuzen sich verschiedene Formen von Landschaftswahrnehmung. Zum einen Motorrad-Eskapismus, wie in der Werbung der Volks- und Raiffeisenbanken, wo mit Trappermentalität irgendwelche, angeblich durch die Bank freigemachten Wege behauptet werden, man kann sie aber auch einfach so benutzen. Zum anderen Diagramme des rasenden Aufstiegs und Höllensturzes der isländischen Banken, die eine verblüffende Ähnlichkeit mit berühmten Bergen und Felsformationen Islands haben.

Was es bedeutet, wenn Landmarken bei der Orientierung nicht mehr helfen können, bei einem Erdbeben nämlich, zeigen die Videos „Tremors“ von Sirra Sigrún Sigurðardóttir. Zu sehen sind Personen, die auf einem Erdbeben-Simulator stehen. Alle haben bereits stärkere Beben erlebt, aber die Erschütterung ist, obwohl das Phänomen bekannt ist, ein physischer Skandal. Sirra Sigrún Sigurðardóttir parallelisiert diese Eindrücke mit dem finanziellen Kollaps der Nordmeerinsel, ihr Augenmerk gilt vor allem den sozialen Beben, welche dieser verursachte.

Auf einem dahinbrausenden Motorrad sitzend, wird man schwächere Beben nicht bemerken, weder seismische noch gesellschaftliche, zu groß ist die Schwingung und das Gebrüll der Maschine, mit der man Staubwolken in die Landschaft zeichnet, man muss annehmen, dass Erling TV Klingenberg diesen Umstand nicht billigend in Kauf nimmt, sondern ihn eben deshalb inszeniert, denn was soll einem die ganze umständlich ziselierte Konzeptkunst, wenn über Nacht der Staat zusammenbricht – und malen kann man mit einem Motorrad auch. Nämlich wie ein Hund, der begeistert mit den Pfoten Erde hinter sich kratzt, hier eben mit dem Hinterrad in der Farbe. Die Ergebnisse, die „Motor-Splash Paintings“ von Erling TV Klingenberg, sehen wiederum aus wie Schemen eines ungeheuerlichen Peaks.

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Wir danken der Firma “Heuser Motorräder” für ihre großzügige Unterstützung.

Das ist eine strenge Ausstellung, die Fotos sind riesig und hochformatig, und weil sie frei hängen, also nicht gerahmt sind, erinnern sie an Flaggen oder Banner. Gabi Steinhauser fotografiert Strukturen, gesplittertes Glas, zerrissene, geknickte Bleche oder architektonische Elemente, Treppenhäuser, Stufen, Korridore, aber nicht um diese Dinge abzubilden oder weil das Sujet irgendwie rührend wäre und man deshalb in kaputte oder kuriose Sachen reinfotografiert, es geht Gabi Steinhauser überhaupt nicht um Narration, sondern immer nur um Oberflächenstrukturen und mögliche Bildkonstruktionen. Die Kleinmöbel, die dazu im Raum der Galerie stehen, spiegeln diese Konstellationen skulptural, nicht funktional – es geht nicht um Tische und Bänke. Glastische mit Chrombeinen, vor hängenden Glasflächen mit Blechteilen, das ist eher der Anfang eines Limericks, kein Interieur.
Steinhausers Zeichnungen auf Millimeterpapier sind weit entfernt von Problemen, die man beim Fotografieren oder Arrangieren mit Abbildungsverhältnissen bekommen kann, sie spielen den Komplex der Bildkonstruktion auf eine andere Weise durch, wobei präzise, lineare Musterungen Flimmereffekte und optische Irritationen erzeugen. Auch die Fotos sind verwirrend aufgrund der Perspektiven, die sie zeigen, mit den Gegenständen im Raum geht dann vollends ein vertrautes Größenverhältnis und die Sicherheit flöten, was man da überhaupt anschaut. Die Fotos von Gabi Steinhauser, sie sind immer sorgfältig in Format, Anzahl und Kombination in den jeweiligen Ausstellungsraum eingemessen, haben etwas von Science-Fiction, sicher wegen der unglaublich brillanten Farben, zusammen mit diesen ganzen Splitterungen und Frakturen, und auch wegen der Größe, so als sähe man den Vorspann eines Science-Fiction-Films, nur nicht in Cinemascope, sondern eben hochformatig, das führt aber schon wieder in so eine Narration hinein, um die es eben gar nicht geht …

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“Selbstbehauptung im Angesicht des Absoluten.”

So lautet der Titel des Künstlerbuchs von Heiko Neumeister, wobei das Wort “Absoluten” im Titel sonderbar getrennt ist.

Das Buch ist etwa so groß wie eine LP, jedenfalls quadratisch. Das aufgeschlagene Buch liegt eben darum sehr breit vor einem. Breit genug für einen schmalen Weg. Zu betrachten sind Fotografien von Heiko Neumeister, der für dieses Buch Wege- und Straßenarbeiten einer norddeutschen Kleinstadt fotografierte. Unwesentlich, um welche Kleinstadt es sich handelt, sicher nur, dass die Kommune gerade sehr viel Geld in rotes Pflaster investiert, wahrscheinlich um den Erholungseffekt oder jedenfalls die Attraktivität der Straße zu steigern.

Wichtig ist bei den Aufnahmen die Fokussierung auf die geometrische Exzentrik der Brezelwege, die hier entstehen, die Akribie der Verarbeitung, die Art und Weise, die Manie, mit der im schrägen Nachmittagslicht die Schlagschnur gehandhabt wird. Neumeister, der auch für das Layout des Buchs zeichnet, wählte, begleitend zum konstruktivistischen Sujet eine ebensolche Typografie der 20er, 30er Jahre. Ein schwarzer Balken verläuft durch das ganze Buch, der durchaus rücksichtslos Textelemente verschlingt, so ist der Name des Autors angegriffen, auch der Titel wird, wie oben schon erwähnt, durch eben diese Linie leicht arrogant zur Trennung gezwungen – eine herrische Leitlinie, der sich die Abbildungen allerdings nicht fügen, nur die Seitenzahlen flattern und springen hysterisch (man könnte dieses Buch auch als lehrreiche Warnung an angehende Grafiker verteilen). Die Fotos pflegen ihre eigenen Korrespondenzen untereinander, fette rote Backsteine nehmen bildübergreifend rechte Winkel und orange leuchtende Rautenformationen an. Die einzelnen Bilder sind jeweils so zueinander angeordnet, dass es “passt”, etwa so, wie man geistesabwesend ein Blatt Papier und einen Stift an einer Tischkante ausrichten würde. Neumeister wiederholt damit im Buch die sonderbare Zielstrebigkeit und Perfektion, die man den Pflasterwegen selbst attestieren kann: Eine Bizarrie, die sehr viel Sorgfalt und im Fall der Pflasterarbeiten ausdauerndes Knien verlangt und überall in Deutschland zu finden ist. (Nora Sdun)

bestellen unter: versand(at)textem.de

Die Eröffnung ist am 11. Mai um 17 Uhr
Ausstellungsdauer, 12 Mai bis 23 Juni

Es war im vergangenen Frühjahr. Seit Wochen hatte es nicht geregnet und man konnte ein Mitteleuropa imaginieren, das von Waldbränden verwüstet sein würde. Für immer werden wir nicht verschont bleiben –  Klar.

Die Zukunft hatte sich schon seit längerem ins Unvorstellbare verabschiedet.

Wir befanden uns in einer Stadt die niemand für sich beanspruchte außer ein paar Büroangestellte und in der sich noch Reste eines vergangenen Jahrhunderts vorfanden deren Existenz eher auf Trägheit, denn auf absichtsvolles Bewahren zurückzuführen waren. Auf den Straßen wurden Jugendstil Lithographien verteilt deren Gold und Türkisfarben nicht zu ende schimmern wollten und an der Ecke saßen »Mennel« die ihrem Laster dem Todestrinken frönten.

Was sollten sie tun, schlecht präpariert für eine Welt die nur noch die Frage stellt: »Haben oder nicht Haben?«

Wir haben dann in den zahlreichen Antiquariaten noch weitere Bücher über Fin de Siècle Illustratoren gefunden und ein paar Hemden aus dem guten alten Leinenstoff den sie so heute nicht mehr produzieren.

Nach dem Essen saß man rum und dachte: was nun?

Noch eine Gruppenausstellung. Klar! Außerdem … Haltung bewahren und sich noch ein paar gute Jahre erhoffen.

(Abel Auer)

Eröffnung Freitag, 16. März, 17 Uhr
Die Ausstellung läuft bis zum 28. April 2012

»Zippy«, schnell und leichtgängig, wie ein Reißverschluss.
Maria Zahle und Peggy Franck lassen in dieser Ausstellung ihre Arbeiten ineinanderhaken.

Zu sehen ist eine Kombination von roh belassenen Werkstoffen sowie selbst gebastelten Elementen.
Man könnte meinen, dass solches Kombinieren ja nun denkbar gängig ist, für fast jede Ausstellung. Besonders ist hier jedoch die Ergebnisoffenheit, welche durch die völlige Gleichberechtigung der verschiedenen Materialien und Objekte erzeugt wird. Diese Arrangemants sind nicht symbolisch aufgeladen. Locker verstreut hängen, lehnen oder liegen die Exponate im Raum in sebstverständlicher körperlicher Präsenz. Beide Künstlerinnen haben ein irritierend ungezwungenes Verhältnis zu Dekoration. Das ist eine für den Kontext der Bildenden Kunst durchaus tendenziöse Gabe, arbeitet das elegante Arrangement und die Dekoration ja bekanntlich auch für die Kitsch- und Werbeindustrie, zu der, jedenfalls von Seiten des Kunstestablishments, eine andauernde Fehde unterhalten wird. Die Spontaneität, von der Franck und Zahle sich für ihre Installationen leiten lassen, das scheinbar Zufällige und Provisorische macht die Unterstellung der bloßen Dekoration (also das zielgerichtete Erzeugen von Stimmungsklischees – man kann, um das zu überprüfen, Hotellobbys anschauen oder Versandkataloge von Möbelhäusern) – hinfällig. Es bleiben Fragen offen, wie sich etwa konstruktivistische Elemente gegenüber intendierten Ungenauigkeiten ausmachen oder warum eine kühl minimalistische Plexiglasskulptur aus schmalen flachen Streifen in der Betrachtung andauernd anthropomorph mutiert, weshalb man ständig eine Figur darin zu erkennen glaubt.

Maria Zahle, geboren 1979 in Kopenhagen, Dänemark, lebt in London und ist Mitbegründering des dortigen Projekt- und Ausstellungsraums »The Hex«.

Peggy Franck, geboren 1978 in Zevenaar, Niederlande, war zuletzt Stipendiatin im Künstlerhaus Bethanien, und lebt auch zurzeit in Berlin.

Ist eine Annäherung an Dinge als bloße Dinge möglich? Schwerlich, denn sie sind immer durch Erinnerungen und Konventionen verworrenster Art verstellt. Und bei jedem Zugriff auf Dinge transformieren sich geschmeidig die Bezüge des Dings, nicht das Ding selbst.

Kann man die sich ständig transformierenden Bezüge loswerden? Will man das? Denn was soll einem ein Ding, zu dem man keinerlei Informationen hat? Man wird ihm schleunigst einen Namen geben, es wiegen und vermessen, damit man wenigstens etwas über das Ding behaupten kann. Man muss das machen. Die Objekt-Beschreibung verschafft einem Teilhabe an der Gesellschaft, Kommunikationsanlässe. Das So-sein-Lassen der Dinge, ist etwas für Mönche – fortgeschrittene Meditation.

Die Ausstellung von Jennifer Bennett und Alexander Hoepfner zeigt Ist-Zustände der andauernden Transformation von Beschreibungen, die Dingen angeheftet sind.

Die hochglänzenden Skulpturen aus Blech und Keramik von Jennifer Bennett haben einen Bezug zur Urbanität. Sie beschäftigt sich mit Absperrungen und Schikanen, zum Beispiel der Baupolitik, die Menschenmassen durch die Stadt leiten, Artefakte des öffentlichen Raums. Die artifiziellen Materialien, die sie für ihre Objekte verwendet, bringen ihr realpolitisches Ausgangsinteresse allerdings in eine prekäre Situation, denn sie dokumentiert nicht, sondern formt völlig neue Gegenstände von großer Delikatesse, die schwerlich etwas mit Realpolitik zu tun haben. Die stabile Kenntnis von ebenso stabilen Dingen, die einem im Alltag begegnen, wird wackelig. Was soll man von einer Blechrampe halten, die in aufreizenderweise an einen Liegestuhl wie auch an Verkehrsschilder erinnert.

Die Bilder von Alexander Hoepfner entstehen durchs Abtragen von Malschichten. Wohl wissend, dass man immer einen Fleck im Bild macht und sich als Subjekt niemals aus diesem Künstler-Werk-Kontext herauslösen kann (sonst übrigens auch nicht), beginnt Hoepfner eine Don Quichotte nicht ganz unähnliche Grabungs- oder Schleiftätigkeit. Was befand sich gleich noch mal unter der letzten Malschicht? Was war letzte Woche oder vorletzte Woche genau los? Löcher im Allgemeinen sind auf eine angenehme Weise provisorisch, ein Anfang ist glücklich gemacht, aber es sind noch keine Bergwerke, die sich ausbeuten ließen, und erst recht keine Tunnel, durch die etwa Informationen reibungslos transportiert werden könnten. Aufgeschliffene Partien, also Löcher in der Malfläche haben eine ähnliche Funktion, man hält die endgültige Fixierung des Bilds gedanklich in der Schwebe.

Eröffnung 2. Dezember 2011, um 17 Uhr
Laufzeit: 3. Dezember 2011 – 14. Januar 2012

Eine Ausstellungskritik im Artforum, geschrieben von Jens Asthoff, ist unter folgendem Link zu lesen: artforum/critics’ picks

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ABSOLUT DER RICHTIGE SPORT FÜR MICH!

Eröffnung: Freitag 28. Oktober 2011, 17 Uhr
Ausstellungsdauer: 29. Oktober – 27. November 2011

CD – Release LUFTSCHLANGENTEXTE am Donnerstag, 17. November 2011, 20 Uhr

Annette Wehrmann (* 10. Juni 1961 in Hamburg; † Mai 2010) war eine deutschsprachige Künstlerin und Autorin. Sie studierte von 1985 bis 1993 Freie Kunst an der Hochschule für Bildende Künste Hamburg und an der Städelschule Frankfurt. Die »Sprengungen« (1993), die als Aktionen im öffentlichen Raum in Hamburg stattfanden, gehören zu ihren bekanntesten Arbeiten. Annette Wehrmann nahm in den 1990er Jahren an der Politisierung der Kunst teil, interessierte sich für Formen der Selbstorganisation  und betrieb diese auch. Annette Wehrmann starb während der Vorbereitungen für die Ausstellung »Hacking the City« des Essener Folkwang-Museum.

Wehrmann entwickelte eine starke singuläre, künstlerische Position zwischen Skulptur und Intervention, die kunsthistorisch an die Methoden der Konzeptkunst und Aktionskunst sowie an die Sprache der Situationistischen Internationale anknüpft. Mit ephemeren und billigen Materialien stellte sie Objekte her, die ein Spannungsverhältnis zu gesellschaftspolitischen, erkenntnistheoretischen und künstlerischen Großfragen produzieren. Sie bearbeitete das Geld, die Religion, Gehirne, das Denken, die Stadt, den Staat, das Fernsehen, die Sprache. Von Beginn an legte sich ihr Werk mit der Welt an.

Für die Bundesgartenschau 2001 in Potsdam transformierte Annette Wehrmann einen sowjetischen Militärwachturm in einen Spiegelpavillon (»Der Turm«). »Das Konzept der BUGA sah vor, dass die Geschichte dieses Ortes nicht ganz und gar verleugnet wird. Ich habe einen dieser alten Wachtürme von innen entkernt, also die Aussichtsplattform und die nach oben führende Treppe entfernt, und in eine Art Spiegelkabinett verwandelt. Die Funktion war eigentlich umgekehrt: Ganz klassisch nach Foucault, hab ich den überwachenden Blick umgekehrt. Es entstand ein illusionär unendlicher Raum, wo die Grenzen nicht mehr erkennbar sind, wo vier bzw. fünf Spiegelwände ineinander spiegeln. Das ergab einen endlosen Raum, der eigentlich nur zwei Mal zwei Meter Grundfläche hatte«.

Neben ihren Texten zur Kunst verfasste Annette Wehrmann auch Literarisches. Mit ihren Lesungen von auf Luftschlangen verfassten Texten, in denen Alltagsbeobachtungen mit philosophischen und ästhetischen Fragestellungen verknüpft werden, demonstrierte Annette Wehrmann eine Visuelle Poesie in der dritten Dimension unter den Aspekten von Kunst im sozialen Kontext. Mit dem Projekt »ORT DES GEGEN« begab sich die Künstlerin auf die Suche nach Leerstellen im weitgehend definierten öffentlichen Raum, die mit eigenen Versionen eines persönlichen Widerstands aufgeladen werden können. »Der ‘ORT DES GEGEN’ bezeichnet eine Bruchstelle für zweckfreie Negation, insbesondere für ein zweckfreies Vergehen von Zeit, materialisiert in der Zunahme/Anhäufung von Abfall. Irgendwo zwischen zum Stillstand kommen und radikaler Freisetzung. Am ‘ORT DES GEGEN’ können die Einwohner zweckfrei und sinnfrei aufeinandertreffen, es ist aber auch das Gegenteil oder gar nichts möglich. Am ‘ORT DES GEGEN’ wachsen die Halden: Halden an Zeit und Langeweile, Überfluss und Abfall« erläuterte die Künstlerin in einem Text.

Eine der bekanntesten Installationen Annette Wehrmanns ist »Aaspa«, die für die Skulptur Projekte Münster 2007 konzipiert wurde. Sie sperrte das bei Spaziergängern und Radfahrern beliebte Ufer des Aasees, um dort eine Baustelle einzurichten. In dieser Arbeit gingen Themen wie die Privatisierung des öffentlichen Raums, die private Suche nach Erholung und Glück mit den Geschichten der utopischen Architektur und der Earth-Art eine verstörende Korrespondenz ein.

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Am Donnerstag den 20. Oktober stellen wir ab 17 Uhr den Katalog von Helene Appel vor.

Helene Appel zeigt in ihrer ersten Ausstellung bei der Galerie Dorothea Schlueter neue großformatige Malereien. Hochgestreckte Formate. Je Bild eine seichte Wasserpfütze, glänzende Lachen, Steine und Kiesel sind am flach schlammigen Grund zu erkennen, leicht kräuselt sich die reflektierende Oberfläche. Schimmerndes Kunstharz versiegelt diese Malerei. Das Verfahren ist nicht reversibel.
Alternierend zu den Pfützen ein Querformat. Ein feines Netz, mit dem man quer einen kleinen Fluss abspannen könnte. Der Rhythmus der Maschen gleicht dem eines Fischsschwarms.

Die Ausstellung ist eigens für die Galerie Dorothea Schlueter konzipiert, die Formate füllen die Abmessungen des Raum aus, sind mit gleicher Bestimmtheit aber eben genau so groß wie solche Pfützen sein müssen.

Helene Appel befasst sich mit einer äußerst genauen Untersuchung und der komplexen Beschreibung von Objekten. Diese treten, isoliert von der sonst roh belassenen Leinwandoberfläche, bestechend klar aus dem Bildgrund hervor.

Zeitgleich zur Ausstellung erscheint im Textem Verlag Hamburg ein Katalog mit Werken der Künstlerin aus den letzten fünf Jahren, herausgegeben vom Mönchehaus Museum Goslar.

Helene Appel studierte an der HfbK in Hamburg und beendete ihr Studium mit einem MA am Royal College of Art, London, im Jahr 2006. Seitdem bestreitet sie Ausstellungen in London, Berlin und New York. Sie ist Preisträgerin des Kaiserring Goslar Stipendiums 2011 und lebt zurzeit in Berlin.

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Anna Hallin, Olga Bergmann, Asdis Sif Gunnarsdottir,  Asmundur Asmundsson, Berglind Agustsdottir,  Bjarni Massi, Bjarni Thor Petursson, Bryndis Björnsdottoir, Bryndis Hronn Ragnarsdottir, Curver Thoroddsen, Dodda Maggy, Eirun Sigurdarddottir, Elisabet Brynhildardottir, Emiliano Monaco, Erling Klingenberg, Gernot Faber, Gudni Gunnarsson, Gunhildur Hanksdottir, Hannes Larusson, Haraldur Jonsson, Hekla Dogg Jonsdottir, Inga Birgisdottir, Lilja Birgisdottir, Ingibjorg Magnadottir, Johannes Atli Hinriksson, Katrin I. Jonsdottir Hjordisardottir, Klangur Gunnarsson, Kolbeinn Hugi, Kristin Helga Karadottir, Kristina Adalsteinsdottir, Lina Bjorn, Loji, Magnus Sigurdarson, Malin Stahl, Monika Frycova, Olga Bergmann, Petur Orn Fridriksson, Helgi Hjattalin,  Radhildur Ingadottir, Sara Björnsdottir, Sara Gunnarsdottir, Selma Hreggvidsdottir, Sigga Björg Sigurdardottir, Sigtryggur Berg Sigmarsson, Sigurdur Gudjonsson, Skyr Lee Bob, Snorri Asmundsson, Thorbjorg Jonsdottir, Thorgeir Gudmundsson, Thoroddur Bjarnason, Tomas Lemarquis, Ulfur Grönvold, Una Björk Sigurdardottir, Juliette Mauduit Anna Frida Jonsdottir, Lily Erla Adamsdottir … zu den Screenshots aller Videos

Die Isländische Kling & Bang-Galerie begann im Jahr 2009 Material auf DVD zusammenzutragen. Es handelt sich dabei um Filme, Videos, Animationen und Performance-Dokumentationen. Kling & Bang zeigt in Hamburg in der Galerie Dorothea Schlueter eine Auswahl aus dieser DVD-Sammlung. Wobei 10 Monitore das Gerüst der Schau bilden, die auch in 10 verschiedene Ausstellungen zergliedert werden könnte.

Kling & Bang wurde 2003 von einer Gruppe unterschiedlichster Künstler gegründet. Gemeinsames Anliegen war, Kontext und Inhalte sogenannten »kreativen Denkens« herauszufordern. Indem man sich stets ausgiebig mit dem »wie« und erst nachgeordnet mit dem »was eigentlich« befasst, variieren die Ergebnisse, wie man sich denken kann, heftig. Im Laufe des mittlerweile 7-jährigen Bestehens von Kling & Bang wurden mit diesem Modus Operandi unzählige Projekte und Ausstellungen realisiert. Dieses Vorgehen brachte allerdings auch internationale Aufmerksamkeit. Ausstellungsbeteiligungen im Centre Pompidou, der Berliner Liste, beim Frieze Project Frieze Art Fair in London sowie Kollaborationen mit Künstlern wie Christoph Schlingensief, Paul McCarthy, Jason Rhoades, John Bock, David Askevold, Gelitin, die isländischen Kollegen nicht zu vergessen.

Zwei Jahre leitete die Gruppe Kling & Bang einen 5000 qm großen Projektraum in Reykjavik, in dem 137 Künstler, Designer, Filmemacher und Musiker eine riesige Menge verschiedenes Zeug zur Ausstellung und Aufführung brachten, in immer neuen Kombinationen der Zusammenarbeit mit dem Kern der Gruppe Kling & Bang.
Kling & Bang realisiert noch immer Jahr für Jahr rund 12 Ausstellungen mit ungebrochenem Möglichkeitssinn. Eine davon ist vom 3. Juni bis zum 9. Juli 2011 in der Galerie Dorothea Schlueter in Hamburg zu sehen.

Die Malereien der Hamburger Künstlerin Nele Budelmann sind großformatig und es sind viele. Nun, da ohnehin drangvolle Enge herrscht, sind Nele Budelmann zwei junge Künstler, gleich Schildknappen, an die Seite gestellt. Axel Loytved zeigt Hosentaschen-Objekte, in Bronze abgegossene Knoten oder Taschentuchfetzen, eben Dinge, die man in seinen Hosentaschen vergisst, die als Bronzeobjekte allerdings zu ganz großer Form psychotischer Überbetonung auflaufen und damit Kommentarfunktion haben für die Text/Bild-Konstellationen von Nele Budelmann, deren Mitteilungen unheimlich schweifen zwischen Denunziation und beredtem Schweigen. Der zweite “Schildknappe”, der Künstler Max Frisinger, wird für die Choreografie der Schau zuständig sein. Was passiert also, wenn Malerei, eine fernöstlich-okzidentale Gemengelage, begleitet von bronzenen Miniaturen, von der Hand eines Formalisten geordnet wird?

Nele Budelmann zeigt u.a.: Business-Plan. Reptil mit sechs Schuppen. Hundert Blätter schwarze Nudeln Afghanistan. Kimono, Kosode, Wandbehang. Ikone. Sechs chinesische Motive in Schwarz. Paravent 1, Nudelrestaurant.

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In his book The Varieties of Religious Experience (1902) the psychologist and philosopher William James constructs the idea of the ‘divided self’ (the term was coined by James). He explains its meaning as part of a varied world of human experience. Some people only need to be born once, and live lives of inner harmony, they do not have to wrestle with their own demons, and the rewards of life are immediate and permanent. The rest of us are in conflict with ourselves, and need a second birth in order to achieve a more settled inner life. This need not be a birth into religious faith, it is simply a resolution of conflicting instincts, of the division in the self. This resolution gives rise to a united picture of oneself and the world, albeit one where the shaping memory of inner turmoil is never lost.

Through James’ model of division and twice-born resolution it seems possible to describe a relationship between Simon Logan and David Fletcher’s work.

Both artists allow the conflated influence of their our own daily lives, memories, and a broad reading of art history to shape their artworks. They both allow internal and external worlds to fuse or conflict with each other in the genesis of their work. But a kind of harmony, rich, dark and resonant seems to hang around David Fletcher’s paintings, a harmony that Logan’s work seems to aim at, whilst remaining divided in artful discord.

Unstuck in time, but rooted in their own striking definition, David Fletcher’s paintings turn the conflicts of desire, daily experience, memory and knowledge into grounded and compelling expressions – Frank O’Hara’s ’50s New York fed through a thousand reproductions of posters of the jazz age, confessed and willed into a newly sharpened grand vision, or watering cans that seem inhabited by the ghost of de Chirico, dark gardens and a stark arm holding one of the cans, images that shine out in high contrast from a space halfway between Los Angeles and an MR James ghost story. Artworks twice born in their making, Fletcher’s paintings are reconciled in their enigmatic calm.

In Logan’s work there are often bright colours, the spectrum being a recurring motif, and skilfully rendered improvised drawings or model-like sculptures, alongside far more scratchy and provisional works. Like Fletcher, Logan draws on a diverse range of imagery, invented and recalled. Yet unlike Fletcher, the precipice of uncertain public and private worlds, the abstract, the descriptive and the cryptic are all still at war with each other – spherical heads that provoke a kind of surrealist cliché whilst showing a singularly personal imagery, small sculptures sometimes clumsy, sometimes overwrought, heads, houses, wings, boats, collisions of half memories, improvisation and flawed expression. Logan’s work still waits to be born again.

David Fletcher will show new paintings, Simon Logan will show new drawings and sculpture.

(images: Simon Logan, Head 1, 2013, David Fletcher, Watering Can, 2013)
Text: Gethin Price

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Vorherige Ausstellung von Simon Logan

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Simon Logan
Five acts of mourning, and other desperate measures
4. Februar – 19. März 2011

Herausgelöst treiben Dinge wie Sahne über einen dunklen Grund. Schaumig, gewichtslos, ohne Richtung. Fahrzeuge, Kammern, halbgeöffnete Wagen. Eine gekenterte Garage. Nein, es ist eine Kirche, ein Gefängnis vielleicht. Ein Suppenhuhn, seine Haut wölbt sich straff über den Rippen, die Ränder biegen sich elastisch aufwärts, wie eine Hutkrempe. An der Steilküste steht eine
Zypresse mit einem Ei an den Wurzeln – Wind geht.

I have tried really hard to make good art. Everything that I do falls down.
I have a lack of faith in art.
I am still affected by art in spite of this.

It is not the clever things in art that affect me, but the broken feverish insistent imagery that
asserts and re-asserts itself, against the cool and hopeless grand ambition on art’s surface. People say that once this ambition meant something – I’m not entirely convinced that it did.
I am sorry for the loss that time brings. I am sorry for the horror that time brings.
Tragedy has its own scale and edges. Tragedy is an art form, and for all its grand sweep, for all its pomposity and ambition, it remains a selective understanding of events.

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zum Artikel von Jens Asthoff auf Artnet …

Filigrane Bleistiftlinien mit technischer Anmutung über große Papierbahnen gestrichelt, teils zart farbig abgesetzt.  Grundrisse, DNA-Stränge, Metallträger, Kristalle, ja, es lassen sich auf den Zeichnungen von Guðný Guðmundsdóttir Gegenstände ausmachen. Allein, die Aneinanderreihung ­dieser Dinge zu schwebenden Girlanden und Strängen ist entkoppelt vom Interesse an der Eindeutigkeit. Trägt das Pferd ein Fuhrgeschirr oder wachsen ihm Flügel? Auch der mögliche Gebrauch der »Werkzeuge«, gebrannten, farbig gefassten Ton-Objekten, Modellen von Handwerkszeug, bleibt einem verborgen. Eine wunderliche Parade von Dingen und Wesen.

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»History is very slippery when it’s such a long time ago«
(Frank Lloyd, Galerist in Los Angeles, Mai 2010)

Es geht um eine Fälschung. In einem Katalog zur Ausstellung »A Decade of California Color« in der New Yorker Pace Gallery vom November 1970 fand sich eine Seite, die einen Künstler namens Charles Arnold und ein ihm zugeschriebenes Kunstwerk zeigt, die beide nicht in dieser Ausstellung vertreten waren. Eine Retusche auf dem Umschlag der Katalogmappe hatte das »i« von Charles Arnoldi verschwinden lassen, welcher damals der »wahre« Teilnehmer der Ausstellung war.

Das verschwundene »i« war Ausgangspunkt für die Recherche der dreiköpfigen Künstlergruppe Galerie C&V, die im Mai 2010 nach Los Angeles und zu einigen der 1970 an der Ausstellung beteiligten Künstlern führte. Die Ergebnisse dieser Spurensuche bilden den Kern der Ausstellung »Another Decade of California Color« in der Galerie Dorothea Schlueter, die auf den Tag genau 40 Jahre nach der Ausstellung in der Pace Gallery stattfindet.

Ausgehend von der Retusche eines einzelnen Buchstabens, reflektiert die Ausstellung »Another Decade of California Color«, wie eine leicht verschobene Mikrogeschichte kalifornischer Kunst der 1970er Jahre hätte aussehen können. Dabei treffen sich drei Blickrichtungen: die zeithistorische von 1970, die sich erinnernde der damals Beteiligten und der Blick einer heutigen Generation, welcher sich den 1970ern nur als Teil der Kunstgeschichte nähern kann.

Die lose Gruppe der Künstler der historischen Ausstellung »A Decade of California Color« zeichnete sich durch ihre Vorliebe für makellose, handgefertigte Oberflächen und die damals neuen Materialien wie Kunstharz, Polyester oder auch Sprayfarben aus. Seit kurzem erlebt diese kalifornische Kunst, oft als »light and space art« oder »finish fetish« bezeichnet, ein Revival und wird in zahlreichen Retrospektiven gezeigt. So haben einige der Künstler begonnen, Repliken ihrer Arbeiten von vor 40 Jahren herstellen zu lassen. Erste Adresse für die Produktion kalifornischer Kunst ist dabei die Werkstatt von Jack Brogan. Galerie C&V hat nun in ebendieser Werkstatt, die Anfertigung des auf dem gefälschten Künstlerblatt von Charles Arnold abgebildeten Kunstwerks »Untitled, 1970, colored wax on glass« in Auftrag gegeben und befragt mit der Rekonstruktion der Arbeit des fiktiven Künstlers Charles Arnold das heikle Thema Autorschaft und Authentizität.

Als weitere Bestandteile der Ausstellung wird in einem Super-8-Film nicht ohne Ironie über mögliche Produktionsweisen bei der Herstellung des Kunstwerks von Charles Arnold spekuliert. Eine wichtige Rolle spielt dabei das Klischee des surfenden Künstlers, das mit der kalifornischen Kunst der frühen 70er Jahre untrennbar verbunden ist.
Ein Video verbindet Fragmente aus Gesprächen mit Zeitzeugen und Beteiligten der Ausstellung »A Decade of California Color« zu fiktiven Gesprächen, die ausgehend von der Person Charles Arnold auch Themen wie die Selbstdarstellung von Künstlern damals oder das Rauchen als Vernebelungstaktik verhandeln.
Von dem Fotografen Jerry McMillan, der Wegbegleiter der damaligen kalifornischen Künstlerszene war, sind Kontaktabzüge zu sehen, die sich in Nuancen unterscheiden von jenen, die durch ihre Veröffentlichung in Zeitschriften wie Artforum zu Ikonen wurden.
Zur Eröffnung erscheint ein Faksimile-Reprint der gefälschten Katalogmappe. Diese Lose-Blatt-Mappe wird, als Edition in kleiner Auflage, im weiteren Verlauf der Spurensuche durch kommentierende Blätter anwachsen.

Als Galerie C&V arbeiten Alexander Mayer, Jo Zahn und Jörn Zehe seit 2008 zusammen. Die Gruppe entstand nach der gemeinsamen Organisation des Ausstellungsprogramms zum Thema »Copieren und Verfälschen« im Künstlerhaus Frise, Hamburg. 2009 führte Galerie C&V diese Reihe mit der Ausstellung »Kommentar als selber was« in der Kunsthalle Exnergasse (Wien) fort.

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zur Website: www.the-missing-i.com

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